Nie można przeceniać znaczenia budowania społeczności w szybko zmieniającym się świecie sztuki, napędzanym przez technologię i eksplozję niewymienialnych tokenów (NFT) w ciągu ostatnich dwóch lat. Publiczność to osoby śledzące w mediach społecznościowych, ale społeczność to grupa ludzi pracujących nad wspólnym celem.

Magnus Resch, ekonomista i wykładowca rynku sztuki, przeprowadził obszerne badania na temat znaczenia społeczności i sieci dla artystów.

Resch ma doktorat z ekonomii i studiował na University of St. Gallen, London School of Economics i Harvard. Oprócz wykładów na Yale, wydał kilka publikacji na temat ekonomii świata sztuki. Pojawił się w czasopismach naukowych i ważnych publikacjach, takich jak The Wall Street Journal, The New York Times i Vanity Fair.

Resch niedawno rozmawiał z Cointelegraph o swojej najnowszej książce How to Create and Sell NFTs — A Guide for All Artists, w której porusza kwestie znaczenia budowania wartościowych społeczności dla artystów oraz tego, jak tworzyć i sprzedawać NFT zgodne z ich twórczością.

Cointelegraph: Doktorze Resch, jak ważne jest budowanie społeczności dla artystów w dzisiejszym, szybko zmieniającym się świecie sztuki?

Magnus Resch: Społeczność w świecie sztuki ma znaczenie dla sukcesu każdego artysty, ale bycie w odpowiedniej jest jeszcze ważniejsze. W jednym z moich ostatnich badań przyjrzałem się tysiącom społeczności w świecie sztuki, aby ocenić ich wpływ na sukces każdego artysty. Wyniki były zaskakujące: 99,9% społeczności artystów nie ma żadnego pozytywnego wpływu na karierę artysty.

Te społeczności — nazywam je „sieciami wysp” — składają się z muzeów, galerii, innych artystów na tym samym poziomie oraz fanów lub zwolenników. Te grupy mają dobre intencje, ale nigdy nie będą miały realnego wpływu na wyższy segment rynku. Zamiast tego istnieje tylko jedna sieć, która prowadzi do sukcesu. Dla artysty, który dąży do sukcesu, celem musi być stanie się jego częścią. Nazywam to „ziemią świętą”.

CT: Czy mógłbyś podzielić się kilkoma kluczowymi strategiami, dzięki którym artyści mogą skutecznie dotrzeć do tej jednej społeczności, którą nazywasz „Ziemią Świętą”?

MR: Moje badania pokazują, że świat sztuki to biznes ludzi. To, kogo znasz, ma większe znaczenie niż to, co tworzysz. W przypadku braku obiektywnych kryteriów definiujących „dobrą sztukę”, sieć wkracza, aby zdecydować, co jest dobrą sztuką, a co nie. Dlatego tak ważne jest tworzenie sieci kontaktów.

Dla artystów oznacza to, że nie spędzają całego czasu w studiu. Wyjdź i poznaj odpowiednich ludzi, w najlepszym razie tych, którzy są częścią ziemi świętej. Albo mówiąc wprost, artyści są sami i muszą zaakceptować, że są przedsiębiorcami prowadzącymi działalność gospodarczą. Branding, marketing i autopromocja są niezbędne do ich sukcesu i są ważniejsze niż ich sztuka. Artyści, którzy czekają na odkrycie, poniosą porażkę.

CT: Jaką rolę odgrywają media społecznościowe i platformy cyfrowe w pomaganiu artystom w nawiązywaniu kontaktu z publicznością i budowaniu poczucia wspólnoty?

MR: Media społecznościowe są najistotniejszym narzędziem marketingowym dla artystów. Nie mogą polegać na galeriach, które wykonają zadanie, ponieważ większość galerii jest częścią sieci wyspiarskich i zamyka się po kilku latach. W rzeczywistości jedna trzecia wszystkich galerii nigdy nie osiąga zysku.

Dotarcie do Ziemi Świętej jest trudne, ponieważ dostępnych jest tylko kilka miejsc w roku. Dlatego budowanie marki jest tak ważne dla artystów. Najłatwiejszym sposobem na to jest korzystanie z mediów społecznościowych: 45% kupujących dzieła sztuki uważa media społecznościowe za najważniejszy kanał odkrywania i znajdowania artystów. Wizyty w galeriach offline zajmują dopiero drugie miejsce. Twierdzę, że każdy artysta poważnie myślący o odniesieni sukcesu w świecie sztuki potrzebuje Instagrama.

CT: Czy sytuacja uległa zmianie wraz z rozwojem NFT?

MR: Wcale nie. Projekty NFT pozwoliły artystom dowiedzieć się, co jest potrzebne, aby odnieść sukces bez wsparcia galerii. Widzieliśmy, że najważniejszym filarem każdego projektu NFT jest społeczność. Nieudane projekty błędnie interpretowały społeczność jako „publiczność”.

Publiczność to osoby śledzące w mediach społecznościowych. Społeczność to zamknięte grono, zżyta i aktywna grupa ludzi pracujących nad tym samym celem. Mogą się gromadzić w mediach społecznościowych, ale to nie wszystko. Budowanie społeczności polega na budowaniu lojalnych członków, którzy wspierają pomysł artysty. Wierzę w przyszłość, w której artyści dadzą swojej społeczności prawa głosu, pozwolą jej uczestniczyć w projektach i wymieniać się pomysłami i zasobami. To znacznie różni się od dzisiejszej publiczności, która po prostu „lajkuje” i obserwuje, ale nie uczestniczy.

CT: Czy możesz podzielić się przykładami tradycyjnych instytucji sztuki i galerii, które odniosły sukces dzięki NFT, a także wpływem, jaki miało to na ich działalność?

MR: Największym zwycięzcą szumu wokół NFT byli artyści cyfrowi, tacy jak Beeple, Justin Aversano i Jen Stark. Sztuka cyfrowa nigdy nie odgrywała głównej roli na rynku sztuki, będąc najmniej popularnym medium po obrazach, rzeźbach i fotografii. A potem nagle niektórzy z tych artystów cyfrowych, zaniedbani przez rynek, zarobili znaczne pieniądze i sprzedali swoje dzieła za rekordowe ceny. Prawdziwy wpływ NFT jednak dopiero nadejdzie. NFT będą podstawową technologią uwierzytelniania każdego dzieła sztuki — i nie tylko sztuki cyfrowej. To zasadniczo zmieni sposób handlu sztuką. Bez NFT, który udowodni, że dzieło jest prawdziwe, nikt nie kupi obrazu.

CT: Jakie są główne implikacje NFT dla rynku sztuki?

MR: Jak dotąd, nie było żadnych. Jesteśmy dopiero na początku tego, co nadchodzi. Przewiduję, że NFT będą miały trwały wpływ, który jest poczwórny: artyści będą mieli większą kontrolę nad swoją pracą i będą zarabiać tantiemy z odsprzedaży; więcej kolekcjonerów zaludni rynek, ponieważ stanie się on bardziej przejrzysty; instytucjom będzie łatwiej angażować swoje społeczności i przekazywać im własność poprzez uczestnictwo i zaangażowanie w zarządzanie. I wreszcie, rynek sztuki stanie się bardziej uregulowany na lepsze, a tym samym wzrośnie jego wartość. Oczywiste jest, że nie stanie się to z dnia na dzień, ponieważ zmiany w świecie sztuki wymagają czasu. Patrzymy na 5–10 lat, zanim NFT staną się standardem sposobu, w jaki dzieła sztuki są przedmiotem transakcji i uwierzytelniania.

CT: Czy mógłbyś wskazać najczęstsze błędy, których artyści powinni unikać wkraczając w przestrzeń NFT, i jak mogą przygotować się na długoterminowy sukces?

MR: Większość artystów nigdy nie wejdzie w przestrzeń NFT, ponieważ NFT nie są sztuką. A te przewartościowane, wspierane przez celebrytów pliki JPEG, które często są kojarzone z NFT, znikną. Nie sądzę, żebyśmy za pięć lat mówili o terminie „NFT”, podobnie jak nie mówimy już o mp3.

NFT to podstawowa technologia, która będzie wykorzystywana za każdym razem, gdy będą dokonywane transakcje dotyczące dzieł sztuki. W przyszłości nie jest mało prawdopodobne, że artysta zarejestruje każdy obraz, który opuszcza studio, na blockchainie. Tak więc, gdy jest przedmiotem obrotu, artysta nie tylko otrzymuje tantiemy, ale także wie, kto jest nowym właścicielem. Pozwala im to pracować bardziej niezależnie i nie polegać całkowicie na galeriach w zakresie promowania lub uwierzytelniania ich dzieł. W rezultacie artyści będą zarabiać więcej na każdym sprzedanym dziele.

CT: W jaki sposób kolekcjonerzy mogą skutecznie określać wartość dzieł sztuki na dzisiejszym dynamicznym rynku, szczególnie w obliczu pojawienia się NFT?

MR: Większość dzieł sztuki nie jest dobrą inwestycją. Prawie wszyscy artyści utknęli w sieciach wysp i nie zobaczą wzrostu wartości. Kolekcjonerzy, którzy są zainteresowani wyłącznie zarabianiem pieniędzy, powinni skupić się wyłącznie na artystach i galeriach, które stanowią populację Ziemi Świętej. Jednak jeśli są zainteresowani kolekcjonowaniem sztuki z jakiegokolwiek innego powodu (i uważają to za wisienkę na torcie, jeśli artysta zyskuje na wartości), cały rynek sztuki może być ich łowiskiem.

CT: Czy przejrzystość cen i płynność, którą zapewniają NFT, zmieniły tę sytuację?

MR: Wielu z tych, którzy kupili NFT jako inwestycję, nie było w stanie na nich zarobić. Przeszli na inne inwestycje. A gdy szum opadł, prawdziwymi zwycięzcami okazali się ci, którzy kupili prace, które im się podobały i chcieli z nimi żyć. Widoczne jest również inne zjawisko; obecnie obserwujemy fuzję tradycyjnego rynku sztuki i kilku artystów cyfrowych, którzy odnieśli sukces w okresie szumu wokół NFT. Beeple, Dmitri Cherniak, Tyler Hobbs, Casey Reas i Artblocks, którzy sprzedawali wyłącznie na platformach cyfrowych, takich jak OpenSea i obsługiwali krypto-rdzenną publiczność, zaczęli teraz wystawiać swoje prace u uznanych tradycyjnych graczy na rynku sztuki, takich jak Pace Gallery. Reprezentacja Pace Gallery, która jest częścią ziemi świętej, pomoże im zamanifestować swoją wartość, nawet gdy szum i ich krypto-nabywcy znikną.

CT: Jeśli sztuka nie jest dobrą inwestycją, dlaczego powinniśmy ją kupować?

MR: Po przeprowadzeniu wielu analiz danych na temat rynku sztuki, jedną ze strategii kolekcjonowania, która okazała się najskuteczniejsza, jest kupowanie tego, co lubisz, ponieważ najprawdopodobniej nigdy nie zarobisz na kupionej sztuce. Nazywam to „odpowiedzialnym kupowaniem” — pojęciem, że kupowanie sztuki to nie tylko wymiana wartości pieniężnej, ale także akt filantropijny. Zamiast wkładać pieniądze w aktywa, przekazuję je, wiedząc, że najprawdopodobniej nie będę w stanie odsprzedać dzieła. Ale kupując je, wspieram artystkę, aby mogła kontynuować tworzenie sztuki, co inspiruje jej społeczność do kontynuowania tej podstawowej formy ludzkiej kreatywności. Dla mnie jest to sposób czynienia dobra, a do tego dochodzi obiekt, który kocham, i historia do opowiedzenia.