marfa

Natalie Stone jest producentką wykonawczą, która uczestniczyła w kształtowaniu niektórych najbardziej wpływowych momentów w dziedzinie sztuki cyfrowej, od ochrony dziedzictwa CryptoPunks po współpracę z fundacją NODE przy tworzeniu immersyjnych wystaw. Jej praca zawsze w unikalny sposób łączy sztukę, technologię i kulturę.
Jest znana z promowania efektywnej współpracy między artystami a inżynierami, angażując się w międzydyscyplinarną wymianę myśli i starając się zachować cenne historie definiujące tę kreatywną epokę.
Wywiad ten odbył się w holu hotelu St. George podczas weekendu Marfa Art Blocks, gdzie Natalie Stone reflektowała nad społecznością, dziedzictwem oraz rosnącą chęcią przeniesienia dzieł cyfrowych do rzeczywistego świata.

Simon Hudson jest dyrektorem operacyjnym Botto, Botto jest zdecentralizowaną platformą sztuki zarządzaną przez swoją społeczność, opartą na zbiorowym tworzeniu, umiejętności posługiwania się sztuczną inteligencją i otwartym zarządzaniu, nieustannie generującą obrazy, ostatecznie to głosujący decydują, które obrazy staną się dziełami sztuki.
Tło Hudsona w zakresie komunikacji i systemów kreatywnych kształtowało rozwój Botto, sprawiając, że jest zarówno eksperymentem technologicznym, jak i żywą praktyką artystyczną.
Wywiad odbył się w weekend Marfa Art Blocks w holu hotelu St. George, Simon Hudson w trakcie rozmowy podsumował czteroletnią historię rozwoju Botto, omawiając znaczenie autonomii artysty oraz to, jak zdecentralizowane systemy przekształcają nasze relacje z sztuką i znaczeniem.

Layla Pizarro jest artystką cyfrową, której prace eksplorują pamięć, tożsamość i poczucie przynależności z perspektywy osobistych migracji. Urodziła się w Chile, a mieszkała w Stanach Zjednoczonych, Argentynie i Meksyku. Te doświadczenia ukształtowały jej styl artystyczny, w którym łączy naturalne elementy, takie jak wiatr i woda, z technologią generatywną, rekonstruując fragmentaryczne wspomnienia i przedstawiając emocjonalne pejzaże uchodźcze.
Wywiad ten odbył się w holu hotelu St. George podczas weekendu Marfa Art Blocks, a Layla Pizarro w trakcie rozmowy reflektuje nad emocjonalną mocą miejsca, pięknem transformacji oraz tym, jak jej najnowszy projekt łączy miasto, historię i osobisty rozwój z wiatrem.

Rob Dixon, lepiej znany jako Radix, przekształca kod w sztukę generatywną, która jest zarówno oszałamiająca, jak i piękna. Radix, mieszkający w hrabstwie Marin w Kalifornii, od dziesięcioleci eksperymentuje na styku sztuki, kodu i projektowania gier wideo.
Jego dzieła można znaleźć wszędzie, od Marfy po Paryż, a nawet w Metaverse, gdzie współtworzył popularną grę Decentraland WonderZone.
Pierwsza praca Radixa z cyklu Art Blocks, „Inspirals”, wciąga widzów w hipnotyczny cykl ruchu i medytacyjnej koncentracji, z misternymi wzorami, które wymagają dokładnego obejrzenia, wciągając widza w nieskończone możliwości geometrii.

Artysta Jimmy Griffith, znany jako Remnynt, jest naturalnie utalentowanym twórcą wspaniałych dzieł sztuki.
W dzieciństwie zdiagnozowano u niego oczopląs, chorobę, która powoduje niekontrolowane ruchy oczu. Mówi, że był zafascynowany ręcznymi działaniami artystycznymi, które zawierały skomplikowane labirynty i mapy, w których mógł skupić się i uważnie śledzić zadania wizualne.
W wieku czterech lat zaczynał rysować labirynty i mapy do gier, które sam tworzył, a w szkole średniej zaczął pisać gry dla przyjaciół na kalkulatorze TI-83.
Dziś Remnynt mówi, że oprogramowanie jest jego medium artystycznym. Po raz pierwszy zetknął się z sztuką generatywną w 2008 roku, badając, jak grafika komputerowa w czasie rzeczywistym może być odtwarzana w świecie gier za pomocą algorytmów matematycznych i geometrii fraktalnej.

Londyński artysta Anthony Heideman, lepiej znany jako MountVitruvius lub „MV”, stworzył wyjątkową przestrzeń w dziedzinie sztuki generatywnej, włączając osobiste wspomnienia i inspiracje literackie do tworów algorytmicznych. 
Jego składająca się z 999 elementów seria „Mind the Gap”, inspirowana zabawami i eksploracjami z dzieciństwa, została po raz pierwszy wydana na platformie sztuki generatywnej gm.Studio, natomiast seria „Render's Game” bada iteracyjną naturę skumulowanych osiągnięć, zmierzając w kierunku sztuka MV Journey i hołd złożony powieści science fiction Orsona Scotta Carda z 1985 roku Gra Endera.

Jimena Buena Vida, kolumbijska artystka amerykańska, wplata uwolnienie w każdą ze swoich prac, jako samouk cyfrowy artysta, wykwalifikowany inżynier i matka dwójki dzieci, łączy swoją wiedzę techniczną z silną inteligencją emocjonalną, tworząc abstrakcyjną sztukę generatywną, zapraszając kolekcjonerów do przyjęcia uzdrowienia i osobistej transformacji.
Buena Vida urodziła się w Bogocie w Kolumbii, obecnie mieszka w Stanach Zjednoczonych, jej misją jest inspirowanie niedostatecznie reprezentowanych artystów do wiary w swoją wizję twórczą, jej seria prac została wyprzedana, w tym głęboko analizujące podstawowe aspekty istnienia "Epifanie" oraz interpretacje tożsamości w generatywnej serii sztuki "Wszystkie nasze twarze", jej animacja "Skąd pochodzimy" zyskała uznanie w 23. edycji nagród Latin Grammy® NFT.

Praktyka Jacka Butchera koncentruje się na przekształcaniu niewidocznych rzeczy w widoczne. Jego minimalistyczne, ale bogate w koncepcje dzieła badają systemy wartości, struktury własności i ludzkie zachowanie w epoce cyfrowej.
Jego prace łączą projektowanie, rynek i psychologię, przekształcając koncepcję tego, jak ludzie tworzą i nadają znaczenie, w sztukę, która jest zarówno analityczna, jak i pełna humanistycznej troski.
Wywiad ten odbył się w weekend Marfa Art Blocks w holu hotelu Saint George, gdzie Jack Butcher podzielił się swoimi poglądami na temat cyfrowej trwałości, współpracy oraz tego, jak własność nadal kształtuje kreatywność i połączenia.

Emily Nicoll to artystka cyfrowa i założycielka wytwórni muzycznej Aquaregia Records, która inteligentnie łączy psychedeliczną muzykę elektroniczną z harmonijnym światem wizualnym. Jej twórczość łączy narzędzia analogowe i cyfrowe, często eksplorując delikatną piękno w rygorystycznych strukturach.
Niezależnie od projektowania generatywnych okładek dźwiękowych, czy wykorzystania sztucznej inteligencji i technik fotograficznych, zawsze dąży do tworzenia przestrzeni imersyjnych kształtowanych przez dźwięk i emocje.
To wywiad odbył się w holu hotelu St. George podczas weekendu Art Blocks Marfa. Emily Nicoll opowiedziała o tym, jak muzyka inspirowała jej prace artystyczne, o znaczeniu pierwszej prezentacji jako artystki Art Blocks oraz o tym, jak dalej eksploruje równowagę między naturą a technologią.

Rzadko zdarza się, aby artyści tacy jak Tyler Hobbs mieli tak głęboki wpływ na dyskusję o sztuce generatywnej. Jego prace badają, jak algorytmy odzwierciedlają niedoskonałości natury i emocji, przekształcając kod w medium łączące świat cyfrowy z fizycznym.
Wywiad ten odbył się w holu hotelu St. George podczas weekendu Marfa Art Blocks, gdzie Tyler Hobbs dzielił się swoimi refleksjami na temat nieustannie ewoluującej roli sztuki generatywnej w kulturze, równowagi między estetyką maszyn a estetyką ludzką oraz trwałego uroku tworzenia sztuki w Marfa.
Uwaga: W celu skrócenia i zachowania przejrzystości, treść tego wywiadu została edytowana.

DADABOTS to duet muzyczny, którego twórczość łączy sztukę, kod i uczenie maszynowe. Są znani z łączenia podziemnych stylów muzycznych takich jak death metal, drum and bass i hardcore punk z technologią syntezowania neuronowego oraz opracowali narzędzia do generowania muzyki na żywo, tworząc nowe gatunki muzyczne, które redefiniują znaczenie występów.
Ich dzieła obejmują transmisje na żywo, badania naukowe i globalne występy, wszystko to wynika z ich głębokiego przekonania, że współpraca człowieka z maszyną jest kluczem do rozwoju kreatywności.
Wywiad odbył się w Hotel Saint George Hall podczas weekendu Art Blocks Marfa, gdzie DADABOTS podzielili się tym, jak narzędzia generacyjne przekształcają muzykę, dlaczego przyjmują niską jakość dźwięku i nieprzewidywalność oraz co sprawia, że ciągle wracają do społeczności Art Blocks.

Kenny Vaden jest artystą generatywnym, którego tło w neurobiologii i biostatystyce kształtuje jego sposób tworzenia sztuki opartej na kodzie. Głównie korzysta z R oraz p5.js, łącząc geometryczną precyzję z emocjonalną głębią, budując swoje prace poprzez iteracyjne eksperymenty i starannie zaprojektowane ograniczenia.
Jego prace obejmują formy fizyczne i cyfrowe, często badając, jak sztuka może być zarówno emocjonalnym ujściem, jak i sposobem zrozumienia świata.
Wywiad ten odbył się w lobby hotelu St. George podczas weekendu Art Blocks Marfa, w którym Kenny Vaden refleksyjnie poruszył temat skrzyżowania nauki i kreatywności, roli wieczności w sztuce generatywnej oraz tego, jak ten moment w Marfa stwarza przestrzeń do połączenia i refleksji.

Na początku XXI wieku artysta z Teksasu DeltaSauce dorastał jako dziecko, które mogło spędzać godziny na półkach z czasopismami, przeglądając połyskujące magazyny pełne układów wnętrz i odważnych okładek, znajdując niespodziewaną inspirację w starannie zaplanowanym bałaganie.
Ojciec DeltaSauce był stolarzem, który od podstaw tworzył użyteczne przedmioty estetyczne, dlatego nauczył się postrzegać design jako sztukę i opowieść. Ten temat towarzyszy mu przez całą jego karierę.
Na weekendzie artystycznym w Marfa w 2024 roku DeltaSauce po raz pierwszy zaprezentował swoje pierwsze dzieło sztuki instalacyjnej, które składa się z zestawu starych monitorów CRT. Te kwadratowe telewizory niegdyś były punktem centralnym salonów lat 90. XX wieku. Artysta ponownie wykorzystał te wciąż działające przedmioty jako płótno dla swoich prac sztuki generatywnej.

RalenArc to multidyscyplinarny artysta z USA, który przez ponad 16 lat doskonalił swoje umiejętności w różnych mediach, od murali po sztukę cyfrową. Jej prace łączą tekstury i organiczne kształty z przyrody, które są teraz precyzyjnie przekształcane w kod, co sprawia, że jej dzieła są zarówno wciągające, jak i głębokie.
Zaczynając od tradycyjnych form, takich jak płótno i glina, RalenArc przeszła do sztuki generatywnej i szybko znalazła swój styl. Ta zmiana pozwoliła jej tworzyć złożone projekty, które odzwierciedlają jej zainteresowanie zbiegiem technologii i natury.
Publikowała swoje prace na takich platformach jak Sotheby's, Feral File, ArtBlocks. Jej prace były prezentowane na znanych wystawach, takich jak Art Basel Miami i konferencja Bitcoin 2024, a także w galeriach w Singapurze, Amsterdamie, Wenecji, Berlinie, Nowym Jorku i Londynie.

Neel Shivdasani to artysta i ekspert technologiczny z Atlanty, który tworzy sztukę generatywną, jednocześnie kierując innowacjami w sztucznej inteligencji w firmie Automattic.
Shivdasani ma profesjonalne doświadczenie, w tym pracę w najlepszych platformach cyfrowego wydania i e-commerce. Jego wiedza techniczna jest niewątpliwie nie do przecenienia, ale jego prawdziwą pasją twórczą jest przekraczanie granic możliwości wykorzystania kodu jako medium artystycznego.
Pierwsza seria Shivdasaniego, „Tropizm”, została opublikowana w 2021 roku na OpenSea. W czasie weekendu Marfa Art Blocks po raz pierwszy zaprezentował „Motion Pictures”, serię zawierającą 100 dzieł, które przekształcają animowaną sztukę w interaktywną, haptyczną doświadczenie, które można zobaczyć zarówno na ekranie, jak i w formie wydruku.

Jiwa jest artystą mieszkającym w Berlinie, który wykorzystuje kod do tworzenia poruszających i ekspresyjnych dzieł cyfrowych, badając ludzkie doświadczenie za pomocą technologii. Jiwa łączy programowanie z malarstwem, badając, jak emocje, niedoskonałości i użyteczność kształtują ciągle ewoluujące relacje między sztuką a cyfrowym światem.
Wywiad ten miał miejsce w holu hotelu St. George podczas weekendu Marfa Art Blocks, gdzie Jiwa podzielił się swoimi spostrzeżeniami na temat nieprzewidywalności sztuki generatywnej, jej wiecznego znaczenia oraz tego, jak portret może stać się sposobem na połączenie technologii, społeczności i ludzkiej egzystencji.

Algorytmiczne dzieło malarskie stworzone przez Jamesa Merrilla, zręcznie łączące kod z rzemiosłem, powstało we współpracy z dostosowanym robotem rysującym, przekształcającym algorytmy generatywne w konkretne dzieła o precyzji i niedoskonałościach. Jego prace artystyczne wychwalają nieprzewidywalne piękno materiałów analogowych, jednocześnie badając, jak technologia nadaje cyfrowym kreacjom trwałą, fizyczną obecność.
Ta rozmowa miała miejsce w holu hotelu St. George podczas weekendu Marfa Art Blocks, gdzie James Merrill omówił rolę emocji w swoim procesie twórczym, wartość niedoskonałości oraz to, jak Marfa wciąż inspiruje eksperymentalnego ducha i świadomość wspólnoty wśród artystów generatywnych.

Bryan Brinkman to artysta multimedialny, którego prace obejmują animację, ilustrację, generatywne 3D i inne dziedziny, był producentem w programach telewizyjnych takich jak (Saturday Night Live) i (The Tonight Show), ma bogate doświadczenie w branży telewizyjnej i wnosi głębokie zrozumienie narracji i interakcji z publicznością do świata sztuki cyfrowej.
Powtarzające się obrazy i pełen życia język wizualny są interpretacją nieustannie ewoluującej przestrzeni kreatywnej, a projekty takie jak BrinkWorks badają nowe wzorce utrzymywania wolności artystycznej i społeczności.
Ten wywiad odbył się w holu Hotelu St. George podczas weekendu Marfa Art Blocks, Bryan Brinkman reflektował nad wyzwaniami związanymi z trwałością kreatywną, cyfrową trwałością oraz znaczeniem przynależności do społeczności Marfa po raz pierwszy.

Ben Kovach to artysta generatywny z Willistonu w Vermont, którego prace eksplorują przestrzeń między systemami strukturalnymi a spontanicznymi wynikami; jego twórczość jest głęboko inspirowana tradycjami minimalizmu i maksymalizmu, łącząc struktury matematyczne z intuicją wizualną, korzystając z języka programowania Haskell do budowy systemów generatywnych, które ostatecznie ewoluują w złożone i często monumentalne dzieła sztuki.
Ten wywiad odbył się podczas weekendu Marfa Art Blocks w lobby hotelu St. George; Ben Kovach podzielił się tym, jak kod, kolory i społeczność kształtują jego proces twórczy oraz dlaczego Marfa wciąż jest znaczącym miejscem wymiany i inspiracji.

Niewielu artystów potrafi radzić sobie z kodem generującym przez ponad 25 lat, ale Harvey Rayner jest jednym z tych ludzi, jako weteran w świecie sztuki generatywnej, prace Raynera są zarówno odważne, jak i eteryczne.
Jego prace cechują się blokowymi geometrycznymi kształtami i wyraźnymi kontrastami, a równocześnie są zrównoważone przez łagodne, pastelowe odcienie, co sprawia, że jego prace są lekkie i mocne, trochę jak klisza filmowa umieszczona pomiędzy światłem a cieniem.
Seria 'Fontana' Raynera została po raz pierwszy wygenerowana na Art Blocks w 2022 roku, wykorzystuje kod generatywny, aby abstrakcyjnie uchwycić ruch wody w fontannie, a statyczne elementy reprezentują to, każdy wynik generuje zestaw kolorów z starannie dobranej palety.